2008年6月6日晚，史玥扬琴师生音乐会在首都师范大学音乐学院音乐厅举行。与常见的教学会报音乐会不同，这场音乐会甚至没有表演一首扬琴教学中的传统曲目。作为一名欣赏者，为之欣喜的是这场音乐会中的新作、新人和新气象。观赏这台音乐会，不时地为史玥和她的学生在扬琴创作、表演、教学方面的探索与创新而倍感激励。

一、    新作品风格清新
   音乐会首先展现了师生们精湛的“弦与指合”、“指与音合”以及再此之上的“音与意合”的意境之美。与平常的教学音乐会的不同之处在于，音乐会表演的曲目突出了首都师范大学音乐学院原创的特点，使得这场扬琴音乐会同时展现了扬琴表演与作曲两方面的实力。 
   　音乐创作上的现代技法在专业作曲界已不是什么新鲜之物，自其诞生之日起，便遭遇毁誉参半，在争论中坎坷前进。近年来，中国的作曲家在创作时，不断探索利用现代技法展现中华传统文化的精深、神秘，以及张扬时代变革中的个性及“意之深微”。作为教学单位，首都师范大学近年来在音乐创作方面的成果令学界瞩目。音乐会选用了杨青、张大龙、雷达等首师大音乐学院教师的作品，这些作品展现多为运用现代技法创作的佳作。可以看出，这台音乐会展现了首都师范大学音乐学院在创作和扬琴表演两方面的水平和风格。
杨青的作品《灵动》（扬琴与弦乐重奏）是一首新作，展现“乐，在灵动中行走；思，在行走中灵动…”。作品追求在流动、缥缈、游弋等神秘色彩中蕴含和谐。一些刻意制造的不可测、不确定的音色和音流给乐器的合作带来了很多的难度。观赏这一作品，西乐与中乐、传统与现代、感性与理性，总在为重奏所呈现的种种不期而遇的对比陷入深深的思绪之中。
     《声声慢》（扬琴与弦乐重奏）和《觅》（扬琴独奏）是杨青的另外两首作品。《声声慢》展现了传统女性悲喜交织的生命形态。其中弦乐四重奏着意旋律美的铺垫，而扬琴则利用其点状特征，设计快速的进行，来刻画女性复杂、细腻的心情与境遇。其中扬琴抒情的段落音响饱满精致，酣畅淋漓，“音之精义”尽显“意之深微”。《觅》作以大二度构成的音阶为基础，运用序列音手法创作。新作品带来演奏技法上新的探索。使扬琴在技法、音色开发及作品的风格上，都有显示出创新的意义。曲调此起彼伏、强劲有力，尤其是钢片琴和手鼓的伴奏织体的融入，凝造出自然、深切的寻觅情趣。
张大龙的作品《在山那边》（扬琴独奏）为委约作品，音乐会首演。这首作品以刚刚发生的中国汶川大地震为背景，以歌颂“山依然是那么秀丽，情感依然是那么眷恋，在 山那边… …” 为始，逐渐发展为悲剧性格。作品的曲式结构并不突出，也没有标新立异的奏法，只是在细腻的音乐语言中，固定低音强调出音乐的基调，传统的音乐素材有机的通过现代技法展现出来，不断渲染震撼的悲情。高潮部分的快板一气呵成，演奏的快速、连贯、力度，完全突破了扬琴点状特征的束缚，将悲情渲染到极致。在地震发生后不到一个月的时间里就创作、排演出如此气贯长虹的力作，在场之人无不为之赞叹、感动。
     雷达的作品《阿里山主题变奏曲》（扬琴独奏）根据歌曲《阿里山的姑娘》改编，以钢琴为伴奏。扬琴与钢琴同为擅长表演颗粒性音响的乐器，一中一洋，合作表演的优势与劣势不言而喻。在音色和技法的设计上，作品较好的兼顾了融合与互补，描写了台湾的美丽风景，在轻松、明朗的基调上，表现出对祖国早日统一的乐观向往。
    总的看来，这些作品或壮美或凄美，或跳跃或抒情，都超越了过于炫技和标新立异的偏执，而崇尚生活化、时代感、具有亲和力的创新技法和表演形式。
               
二、    中乐（器）西曲的移植
    在中国传统的乐器中，扬琴的音域宽、音色丰富、融合性好，因而在民乐队中作用特别突出。这场音乐会的另一个亮点是利用扬琴在表现力上的优势，移植演奏外国乐曲。
    扬琴三重奏《培尔•金特》第一组曲（格里格曲、史玥移植）是音乐会首演的曲目。其中《朝景》用三件扬琴分别在不同的音区模仿原曲中的长笛、单簧管、双簧管的音色和旋律，加之扬琴特有的点状进行，使得音响效果在听觉感知上与原曲似像非像，妙不可言。这种由相同乐器组合的重奏，不仅模仿不同的音色，而且展现出交响化的音响效果，拓展了扬琴的表现力。
    另外两首外国作品《阿尔汉莫拉宮的回忆》（塔雷加曲、史玥、梁柱移植 ）和《马刀舞曲》（哈恰图良曲、史玥移植 ）以扬琴合奏的形式完成。分别模仿了吉它和小提琴的音色。《阿尔汉莫拉宮的回忆》描绘了作曲家对西班牙格林纳达城的一座宫殿的印象。全曲的旋律从头到尾都用轮音技法演奏，配有分解和弦的伴奏。作者将其改为扬琴合奏作品，并首次使用多声部演奏，和声效果发挥得淋漓尽致，更能体现其曲的特点。《马刀舞曲》利用扬琴擅长演奏快速音乐的优势，表现乐曲强烈的节奏、迅疾奔放的旋律，同时，也通过八件扬琴在音量、声部方面的优势，着力乐曲渲染热烈、欢快的气氛。

三、    关于民乐创新的思考

    近年来，民乐在表演方面的创新有目共睹。其变革主要呈现时尚化趋势：快节奏的乐曲、电声乐器的融入、通俗化的表演、时尚的服饰等等。应该说，在现代媒体的传播下，这些革新呈现了民乐的新发展，并得到了一定群体的认可。与此同时，这样的革新也得到一些专业人士的抨击和鄙夷，认为如此下去，将出现传统音乐庸俗化的倾向。孰是孰非，见仁见智。笔者以为，抛开上述争辩不论，至少，民乐的创新应该有不同的样式。对此，观赏完史玥的扬琴教学音乐会，笔者有三方面的启示：
    首先，创新未必追赶时尚，也可以在经典之间融会贯通。说到传统音乐的创新，时下惯性的思维就是破其老、旧的传统曲目、表演方式，而取之以时尚的面孔，流行的说法即“包装”。也就是说，依据流行的娱乐方式来调整民乐的表演，谓之与时代“接轨”、与世界“接轨”、“走向大众”。其实，音乐自古就有阳春白雪与下里巴人的区别。民乐的创新也可以走向高雅的格调，通过拓展民乐的演奏技巧、尝试合奏等手段，融会贯通地表演古今中外的经典曲目，不也在将民乐推向世界，向世界展示中华民乐吗？只是，我以为，这种途径较之其它，更需要表演者扎实的基本功、广深的音乐修养和学术视野。
    其次，作品是民乐创新的根基。演奏是音乐实践的第二个环节，它的完成需要有音乐作品的支持。一段时间里，民乐得演奏者常常为曲目发愁：要么恪守传统，但难以适应现代人求新求变的欣赏口味；要么演绎学院派的现代技法作品，但相当多的学院派作品曲高和寡，难以传播。可喜的是，这一状况已被近年来一批贴近中国文化、雅俗共赏的音乐作品所改变。广泛的“知音”者的喜爱，是检验音乐作品生命力的重要标尺，史玥音乐会选用的音乐作品充分印证了这一点。
    最后，时代呼唤表演、创作、教学的全能型演奏家。对史玥在扬琴表演方面的成绩我早有耳闻。而令我意外的是这场音乐会还展现了她在音乐创作、教学以及背后的管理协调的能力。整场音乐会，在欣赏史玥和她的团队的精彩表演的同时，也在为新时代表演人才的高素质而叹服。 

     观赏这场音乐会，虽然新人们的表演还尚显稚嫩，但更多地是感叹史玥及其学生的勇气、魄力与实力。从中看到了扬琴这一古老的传统音乐艺术在新的历史时期的新的“增长点”。就其意义而言，已经超越了扬琴表演本身。